jueves, 29 de noviembre de 2012

Ciclo: Krzysztof Kieslowski

Krzysztof Kieslowski

Krzysztof Kieslowski (1941-1996) Kieslowski, en compañía de Bergman, Antonioni, Bresson, Ozu y un largo etcétera de los grandes maestros del canon fílmico del cine universal, es el autor de una sólida obra cinematográfica en donde el protagonista, fuera de toda pretensión política y técnica, es el centro inevitable de su universo. Kieslowski es uno de los tres grandes maestros polacos junto a Roman Polanski y Andrej Wajda. Sus primeros filmes, en forma de documental se enfocaban en la vida de los ciudadanos de su natal Polonia: civiles, obreros, soldados y sus rutinas diarias, retratados de manera auténtica servirían como base a su posterior obra. Aunando a esto los designios del azar, las segundas oportunidades y la ambiguedad moral, su obra se solidificaría de manera considerable en cada filme. Su versión de los mandamientos de la fe cristiana en El Decálogo, (1989-90), filmado originalmente para la televisión polaca, es una monumental obra sobre la fragilidad humana y sus dilemas morales. La introspección de sus seres y el mundo a veces onírico en su obra (en el caso de La doble vida de Verónica, 1991), culminando con su trilogia Tres Colores: Azul, Blanco y Rojo (1993-94), cierran un capítulo clave en la cinematografía universal. La libertad, la igualdad y la fraternidad, el significado de los tres colores de la bandera de francesa son a los ojos de Kieslowski, el fresco en donde sus criaturas se encuentran, son víctimas del azar, toman sus decisiones, viven y mueren. Una obra que merece ser vista de nuevo por su eterna relevancia en cuanto a la condición humana en su estado más puro concierne. Kieslowski trasciende exitosamente junto a la obra de los maestros antes mencionados: Bergman y el dolor ante el silencio de Dios; Antonioni y la alienación en un mundo industrializado; la transición de las almas en el cine de Robert Bresson; la sensibilidad y fragilidad espiritual de los seres que habitan el universo de Kieslowski, nos muestran que en el cine, lejos de ser los protagonistas la pericia técnica y los efectos especiales, el rostro humano y su mirada es el elemento más fascinante en la pantalla grande.

miércoles, 24 de octubre de 2012

Noviembre 2012

Distopía

Las grandes corporaciones, el ascenso al poder político, el desolador paisaje de la arquitectura monolítica en los filmes de paranoia de los años setenta, reflejan en una época dorada del cine norteamericano, un ambiente fatalista que bien podría ser el reflejo de nuestros tiempos. O, ¿acaso ese sentimiento se fué alguna vez? Teorías de conspiración, el ojo en el cielo que siempre nos vigila, las aparentes utopías que más bien son orwellianos sistemas totalitarios, en donde la identidad de cada individuo es un archivo más en este perverso sistema inalcanzable. El filme de "paranoia", por etiquetarlo de alguna manera, es en particular un muy interesante mosaico de obras clave en el cine de los años setenta. La alienación de sus personajes, la deshumanización, la obsesión, la paranoia y el desencanto, funcionan como el mejor ingrediente para soltar la rienda creativa de los directores que renovarían la industria a finales de los años sesenta. El escándalo Watergate, la guerra en Vietnam, el mismo fantasma de la guerra fría, así como el siempre decadente sueño americano, sirven como contexto a estas piezas en donde el sistema está allá afuera al acecho. Nadie está más allá del sistema y las víctimas de éste por lo general tienen un futuro incierto si es que lo hay. Directores como Francis Ford Coppola con The Conversation; Alan J. Pakula con Klute, All The President´s Men y The Parallax View; Roman Polanski con Chinatown; Three Days of the Condor de Sydney Pollack; Blow Out de Brian De Palma, en un homenaje a Antonioni, son sólo unos de los más grandes en su especie, por no decir género... En estos tiempos en donde la tecnología digital, el desencanto político, los tiempos extraños y la falta de identidad en las nuevas generaciones, los elementos están en plena forma. Recientemente hemos visto thrillers afines a estas obras: Michael Clayton, de Tony Gilroy; The Good Shepherd de Robert De Niro; Tinker Tailor Soldier Spy, de Tomas Alfredson y la trilogía Bourne, versan esos viejos adagios de hace más de cuatro décadas. La sombra persiste y el ojo en el cielo nos observa todavía.

martes, 25 de septiembre de 2012

El maestro del horror

John Carpenter (Nueva York, 1948) Es un pionero del cine, realacionado principalmente con el género del horror debido al éxito de su película Halloween, 1978 y la mayor parte de su obra posterior. sin embargo, a lo largo de su trayectoria ha demostrado una versatilidad genuina de un hábil autor. La estética de sus películas es una elegante muestra digna de un maestro de la vieja guardia. Con influencias notables de Howard Hawks, John Ford, Sam Peckinpah y otros grandes, tiene una voz que trasciende por mérito propio. Su estilo no pretende ser más de lo que realmente es. Una firmeza en su narrativa que pareciera una diligencia a la manera de los "westerns" del periodo clásico que él tanto admira, lo ponen a la altura de cualquiera de estos maestros antes mencionados. Además de un muy particular tono en su obra, la música en esta es otro de los aciertos. Él mismo compone la mayoría de los scores en sus películas; no podemos imaginar Assault on Precinct 13, 1976, como tampoco Halloween, sin esas sombrías bandas sonoras interpretadas por el mismo Carpenter en su sintetizador (el Prophet 5, tengo entendido). En Cinema Botánico rendimos un homenaje al maestro del horror con cuatro platos fuertes en su obra. Octubre de Carpenter en el Auditorio Deutsche Bank.

jueves, 23 de agosto de 2012

Sight & Sound Poll

La revista cinematográfica más prestigiosa en la actualidad, Sight & Sound, ha venido haciendo desde el año 1952, una encuesta dirigida a cineastas, críticos de cine, programadores, académicos, distribuidores, escritores y cinéfilos a nivel mundial, una encuesta con el fin de determinar, cuál es o son, las obras maestras cinematográficas más trascendentes en la historia del séptimo arte. La encuesta más reciente ha sido pubicada en la revista del presente mes. Cinema Botánico, con el fin de promover la cultura cinematográfica de calidad en nuestra ciudad, próximamente presentará, alternando entre ciclos, una buena parte de estas obras clave en la historía del séptimo arte, con el fin de crear un espacio en la tradición de los viejos cineclubes y al mismo tiempo re-valorar este arte por completo.

jueves, 5 de enero de 2012

Programa

Las carteleras de cine que conforman parte de la programación del auditorio, constan de dos secciones para abrir actividades. Cada semana se hace una revisión de comedias clásicas de Hollywood: Buster Keaton, Harold Lloyd, los hermanos Marx, Laurel & Hardy, Abbott y Costello, W.C. Fields, por sólo nombrar algunos. Los  jueves, se exhibe cine de los grandes autores de la cinematografía mundial: Orson Welles, Elia Kazan, Ingmar Bergman, Michaelangelo Atonioni, Federico Fellini, Stanley Kubrick, Werner Herzog, Martin Scorsese y una larga lista de grandes realizadores. Como complemento, un viernes de cada mes se proyectarán conciertos de Rock, Blues y Jazz. Eric Clapton, Bruce Springsteen,  Muddy Waters, Buddy Guy, Miles Davis, Chet Baker, son solo algunos de los invitados en nuestro auditorio. Consulta los horarios en este blog y en las redes sociales del Jardín Botánico Culiacán. Próximamente.

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